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2009年08月01日

井上陽水 『少年時代』<1>

text by ワダマサシ



夏休みをイメージする大好きな歌は?
そんなアンケートが世代を縦断して全国規模で行われたら、少なくともトップ3にはこの曲が間違いなく顔を出すだろう。
今では音楽の教科書にも載るほど知れ渡った名曲だが、インストで聴いても夏景色が脳裏に鮮烈に像を結ぶ。
それはこの曲が、後に映画「少年時代」の主題歌、ソニーハンディカムのCMソング、PS2用ゲームソフト「ぼくのなつやすみ」など、多くの夏をバックグラウンドにしたタイアップ曲として使用されたからかもしれない。
でもわたしは、“少年期=人生の真夏の始まり”というテーマが、もともとこの曲のDNAに意図的に刷り込まれていたせいだと思っている。
その普遍的なテーマの背骨をしっかりと支えているのが、「襟を正し、背筋を伸ばしたくなる」ような、例えば学校の校歌にも通じる凛と居住まいの整ったメロディーなのだ。

どんな名曲にもそれが生み出されることになった偶然・必然の事情、つまり制作過程での興味深い秘話が、その真贋を問わず必ずあるものだ。
しかし中でも「少年時代」のそれは、知れば知るほど奥が深い。
音楽がワクワクするような人間同士のコラボレーションで作られていた当時の時代背景もあり、わたしにとってもはや近々書いてみたい小説のテーマになってしまっている。
今回の「一曲入魂」は、そのプロットの整理の意味合いもあるのだ。

さて、この曲の作曲者が井上陽水と平井夏美の連名になっていることをご存知だろうか?
この二つの才能の出会いがなかったら、決してこの名曲が生まれるとこはなかったのだ。
松田聖子の「瑠璃色の地球」の作曲者としても知られている平井夏美(本名:川原伸司氏) は、わたしのビクターレコード時代の先輩ディレクターだった。
川原氏はその頃からプロデューサーズ・プロデューサー、つまり作曲家・作詞家・編曲家を含めた音楽制作者をさらにプロデュースしてしまうような独特なスタイルで仕事をされていた。
作家やミュージシャンの懐にいとも簡単に入り、しかも音楽的にも影響を与えてしまうには、相手にリスペクトされる才能や知識がなければならない。
氏はそれを持った稀有のハウス・ディレクター(レコード会社の制作マン)だったのだと思う。

1980年代初頭、ビクターレコードの制作部は外苑にある白壁のビクター青山スタジオの一階にあった。
スタジオには当然のことながら、アップライト・ピアノを設置したリハーサルブースが数多くある。
川原氏が忙しい仕事の合間を利用し、そこにこもり寸暇を惜しんで曲を書き続けていた事実は、勤務時間内の自由行動ゆえ、あまり知られていない。
わたしはどういうわけかその作業によく付き合ったものだが、「瑠璃色の地球」や「少年時代」のモチーフはその当時からすでにあった気がする。
それほど、あのリハーサルスタジオで紡がれたメロディーは秀逸だったので、その芽がやがて大輪の花を咲かせたことも、わたしにとっては大した驚きではないのだ。

その川原氏と井上陽水が出会うもっと前に、名曲「少年時代」が生まれることになったそもそもの起点となる出来事があった。
それは、1984年の井上陽水の結婚10周年パーティー。
その席上で、陽水は今は亡き筑紫哲也氏に会う。
当時テレビメディアから遠ざかり一ジャーナリストという立場にいた筑紫氏に、井上陽水が「また何かやってください」とニュース番組への復帰を促すような発言をしたという。
やがて「ニュース23」という後の名物番組がスタートすることになった時、陽水はその発言の責任を取る形で「最後のニュース」という番組のエンディングテーマを書いた。
その時同時に依頼された番組の冒頭に使用されるジングルの制作が、二つの才能を引き合わせることになる。


この項続く…。

 
筑紫哲也氏追悼番組 2008-11-11 より 






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2009年07月06日

マイケル・ジャクソン『リベリアン・ガール』

text by ワダマサシ



マイケル・ジャクソンの数ある名曲の中から、たった1曲を選び大多数の読者の信認を得ることなど不可能だ。
その点で“キング・オブ・ポップ”は一曲入魂というこのコーナーには不向きのアーティストなのかもしれない。
しかし、ここでも追悼の気持ちを表すために、敢えてその難題にチャレンジしてみる。

奇をてらったチョイスだと思われる方が多いかもしれないが、「リベリアン・ガール」は十分にその資格のある名曲だと思う。
1987年にリリースされた不滅のアルバム「BAD」から、なんと8枚目のシングルとしてこの曲がカットされた(英国のみ)のが1989年。
最高位13位という結果は、アルバムが驚異的セールス上げた後のリリースだったことを考慮すれば、やむを得ないところだろう。

さて、私がこの地味な曲を選んだ理由をお話しよう。
彼の成功のかなりの部分は、クインシー・ジョーンズという偉大なプロデューサーの力によるものだという意見には、どなたもご賛同いただけると思う。
「BAD」は、その二人のコラボレーションで完成した最後の作品であり、結果「リベリアン・ガール」はその最後のシングルということになる。
1991年にリリースされたセルフ・プロデュースによる次のシングル「ブラック・オア・ホワイト」は、全英・全米ともに1位を獲得。
アルバム「Dangerous」も、「BAD」を越えるセールスを記録した。
しかし、マイケルの成功がこの時点でもうすでにピークアウトしていたという印象を持つのは、私だけではないはずだ。
したがって、「リベリアン・ガール」がマイケル・ジャクソンという稀代のスーパースターのフィナーレの曲のように私には思えてしまうのだ。

また、ミ、ラ、シ、と進む冒頭の“リベリアン・ガール”の部分のメロディーは、意外性がありマイケルのソングライターとしての非凡さを感じさせて余りある。
ひとつの楽曲としてみても、オリジナリティーという点で「リベリアン・ガール」の価値は非常に高い。

そして、思い出してみればこの曲のPVがすごかった。
“エリザベス・テーラーに捧ぐ” というメッセージから始まる映画のメイキング映像タッチのクリップに、マイケル本人はほとんど出てこない。
作品としては大して面白いわけではないのだが、出演者の顔ぶれをみただけで、マイケルがいかに偉大だったかを偲ぶことが出来る。
わたしもPVのエンディングにならぶ出演者のクレジットを見て、改めてそう強く感じた次第だ。


原題: Liberian Girl  アーティスト:Michael Jackson
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2009年06月17日

Scott McKenzie『San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)』

text by 福岡智彦




渋谷のロック・バーで、若い頃にビルボード・トップ40をせっせとノートにつけていたという音楽好きの同僚、TN氏と飲んでいたら、ボクの入魂曲のひとつである、エジソン・ライトハウスの「Love Grows(恋の炎)」が流れてきた。
ボクより一回り若いTN氏はご存じなかったのだが、気に入ったようで、翌日会社でiTunes Storeでダウンロードしていた。その折に、
「『San Francisco』って曲が一番人気になってますよ。」
と言う。
「え?それはないよ。彼らって『恋の炎』が唯一のヒットのはずだから……。」
「試聴してみましょうか。」
流れてきたメロディはとても聞き覚えのあるものだったが、アーティストが思い出せない。
「たしかにその曲は大ヒットしたんだけど、でもエジソン・ライトハウスじゃない……ビージーズだっけ?」
「それはマサチューセッツでしょお。」
「あ、そうか。」
「でもほらー。」
彼のパソコンのiTunesの画面を見ると、確かにエジソン・ライトハウスの「On the Rocks」というアルバムで、4人のメンバーと(なぜか)象がいっしょに写っているジャケット写真がある。
一方、ボクは「San Francisco」をネットで検索すると、Scott McKenzieの名前が出てきた。
そうだ。スコット・マッケンジーだ。この名前、すっかり忘却の彼方だった。
そうすると、エジソン・ライトハウスがこの曲のカバーをやっているわけだ。
でも、ふんいきがオリジナルとそっくりで、これはカバーと言うより、コピーだ。

改めてAMG (All Music Guide)で調べてみたら、この「On the Rocks」というアルバム、「a complete farce.」つまり「全くの茶番だ」って書いてある。「Love Grows」以外は、他のバンドが演奏しているというひどい代物らしい。「Love Grows」の入魂のところで書いたように、実は実体のないバンドだったらしいので、アルバムも適当だったのかもしれない。

ちなみに、iTunesでエジソン・ライトハウスの『San Francisco』をダウンロードしてみたら、大サビ前で音飛びしていた。おススメしない。


前置きが長くなったが、こうして偶然、ボクの記憶の中から消えかけていた名曲に再び巡り会えることができた。1967年にビルボードで最高4位まで上った、スコット・マッケンジーの『San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)』である。作詞・作曲はJohn Philips。

この曲、歌詞はとってもシンプル。

「もし君がサンフランシスコに行くなら、
花を髪につけていくのを忘れずに。
もし君がサンフランシスコに行くなら、
そこにはやさしい人たちがいるよ。……」

団塊の世代の人たちはもちろん知ってるよね?フラワー・ムーブメント。
ヒッピー文化。サイケ。ラブ&ピース。
愛と平和の象徴が「花」というわけだね。
その聖地がサンフランシスコで、ムーブメントのピークが1967年だったらしい。

まさにこの歌はフラワー・ムーブメントそのものと言える内容で、つまりいわゆる「反戦歌」だ。

この時代は、冷戦、ベトナム戦争、日米安保条約などを背景にした「反戦ムード」が、学生を中心に世界全体に広まり、日本でも多くの「反戦歌」が生まれ親しまれた。

音楽は人間の感性に直接響くものだから、往々にして「メッセージを伝える強力な道具」として利用される。たとえば戦時中は、戦意を鼓舞するために多くの「軍歌」が作られた。
もちろん、戦争を謳歌する歌より、「反戦歌」のほうがよほどいい。
だけど、「反戦歌」の中に名曲があるように、「軍歌」にだって名曲はある。
メロディは具体的なメッセージなどとは関わりなく、人の心の琴線をかき鳴らすものだ。

だからすごい名曲の場合、「反戦歌」などという狭いメッセージ性に閉じ込めてしまうのは、ちょっともったいないような気がする。

「五つの赤い風船」の「遠い世界に」という曲があるが、ボクらの世代の感覚だと、この曲はまさに反戦歌。学生運動とイメージが重なり、それがちょっと重いというか、すばらしいメロディを持っているのに、どこか純粋に音楽として楽しめないところがある。
先日、ニッポン放送主催の「オールナイトニッポン〜さくらの頃に〜」というイベントを観ていたら、最後に出演者全員で「遠い世界に」を唄ったのだが、何かどうも違和感があった。
「遠い世界に」は反戦歌として歌われることによって、多くの人が知るところになったのはたしかだろうが、そのために却って、その本来の音楽としてのよさがストレートに感じられていない、それがこの曲にとってちょっと不幸だと思うのは変だろうか?

『San Francisco』も、ある人たちにはまず反戦歌の代名詞なんだろうと思う。
でも、サンフランシスコのフラワー・ムーブメントを直接見たわけでもなく、この曲がそのひとつの象徴であったことも後知識に過ぎないボクには、幸いにして(?)そういう感覚はない。その音楽性を自由に楽しめる。

それには歌詞が英語だということも、直接意味が入ってこないという点で、重要なポイントだろう。日本語だとどうしても言葉が(好きにしろ嫌いにしろ)気になってしまう。

これが、洋楽のよさなのかもな、と改めて思ったり。

反戦歌だろうと、たとえ軍歌だろうと、このメロディとスコット・マッケンジーの朗々とした歌いっぷりはほんとにすばらしい。






Scott McKenzie/San Francisco (Be Sure to Wear Some Flowers in Your Hair)


五つの赤い風船/遠い世界に





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2009年06月14日

クロスビー,スティルス,ナッシュ&ヤング『組曲:青い目のジュディ』

text by ワダマサシ

 

大森に「風に吹かれて」というライブフォーク酒場がある。
巷のライブハウスよりもうんと敷居が“低い”ので、ちょっと腕かノドに覚えのある人ならばすぐにステージに上ってお客さんの前で歌えてしまえるようなフランクなお店だ。
お客さんの中心は、1946年から1965年の間にお生まれになった「戦争を知らない子供たち」世代。
つまり、中年以降から初老にかけてのおっさんやおばちゃんたちと言うわけだ。
いまや伝説になっているウッドストック(1969年)やその影響で日本で行われた中津川フォークジャンボリー(1970年)を知る人々なので、歌う曲も推して知るべし。

ポニョで名高い友人の背景歌手Fジオカ氏の家がこの近所にあるせいで、わたしも時々ここに連れ込まれる。
彼はここに毎晩訪れては、近隣のジジババ達と渾身の力を込めて懇親を深めているようだ。
そのせいで、いまでは熟年の出会い系酒場と化し、警察でも問題になっているとか(ウソ)。
先日もう一人の友人と3人で夜遅くお邪魔したが、60歳を過ぎの大先輩がごく普通にモダンフォークを演奏していらっしゃったりして、正に東京のミステリーゾーンのような趣きだった。
お前もとっとと歌えという声に応え、酔った勢いで、二―ル・ヤングをせっかく歌っていらっしゃった二人のお客さんのステージに、スティーブ・スティルスを気取って乱入した。

「ジュディー・ブルー・アイズでもやりましょうか」というわたしの超無謀な挑発を、ステージにいらしたサラリーマン風の方は見事に受けてくださった。
「いいですよ。スティルスをやってください」
これこそが、「ウッドストック」を知る人の粋なコミュニケーション。
いいかいお聞き、ニューヨーク郊外の農場で行われたあの伝説のロックフェスで、名だたる演奏者の中の白眉となったのは、テン・ヤーズ・アフターでもザ・フーでもジェファーソン・エアプレインでもサンタナでもザ・バンドでもジミヘンでもなく、CS&Nだったのだよ。
少なくともわたしを含め世界中の多くのおっさんがそう思っていることだろう。

6弦から、DADDADというメジャーでもマイナーでもない響きのオープンチュ−ニングは、わたしの学生時代の憧れだった。
そしてあまりにも美しいクローズドハーモニー。
彼らは、コードがDの時にごく自然にAのトライアードでコーラスをハモる。
なので、全体として出てくる音はD分のA、つまりDメージャーナインスの響きになる…。
す、すげーー!と思ったものだ。

ややこしい話になってしまったが、いまではレアなそんな曲を40年という時を隔て、アジアの片隅の日本の片隅の大森の片隅のフォーク酒場の片隅で、平凡なおっさんたちが歌えてしまうという事実にわたしは驚愕したわけだ。

CSN&Yよ、永遠なれ。




CSN (AND Y!!!) -Suite: Judy Blue Eyes - Woodstock 1969
















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2009年05月24日

ギルバート・オサリバン『アローン・アゲイン』

text by ワダマサシ


Gilbert O'Sullivan

1972年のビルボード年間チャート2位というビッグヒット。
それ以上に、わたしの中では70年代にレコーディングされた全ての曲の中でもベスト10に入るほど、マジに好きな曲だ。
ハーフ・ディミニッシュを多用し心の表情のように移ろう完璧なコード進行と、キレイに韻を踏んだ詩。
美しいメロディラインと鼻にかかった切ないボーカル、律儀にメローディーを崩さずに弾くガット・ギターの間奏。
まったく、非の打ち所もございません。

わたしは学生時代、仲間とアルバイトでハコバンをやっていたことがある。
学芸大学の高架下にあったタンポポというピアノ・バーだった。
あの頃、一日に3回はこの曲のリクエストを貰って演奏してたっけ。
「アローン・アゲイン演ってよ」
「えっ?さっき歌ったばっかりですよ」
「いいから演れ!アローン・アゲイン・アンド、アゲイン・アゲインだ」
みたいな調子で、誰にでも好かれる歌だった。

あの頃は詩の内容まではまったく興味がなく、「アローン・アゲイン」ってくらいだから、フラれて一人ぼっちになってしまった男の失恋ソングだろうと考えていた。
ところが、どうしてどうして…。
大好きな歌の意味を後日やっと理解するってのも情けないが、実は色恋とは関係なく人生をほろ苦く綴ったもの。

夢かなわぬ現実の世界に疲れた僕は、
いつか塔のテッペンから飛び降りてやろうと思っている
教会でただ一人そんなことを考えてる僕を見ても、
回りの人間は「彼女にフラれたんでしょう?」ぐらいに思って去っていく
そして、また僕は独りぼっちさ、当たり前のようにね

陽気で楽しそうだった昨日までの僕を、
現実がやってきてめちゃくちゃにしてしまった
慈悲に満ちたあなたの存在なんか信じることが出来なくなった僕を残し、
神様まで去っていった
そして、また僕は独りぼっちさ、当たり前のようにね

きっと世界には、傷ついているのに癒されない人たちが、
僕と同じように放ったらかされているんだろう
いったいどうすればいいんだ、どうすれば…

いいことなんか何もなかったここ数年を、
僕は振り返る
父が死に人目も気にせず泣いたこと
そして唯一愛した人に先立たれた母は、
僕の慰めにもかかわらず、
無口になったまま65歳でこの世を去った
母まで去ってしまったとき、
僕は一日中泣いて、泣いて、泣いた
そして、また僕は独りぼっちさ
それはもう、当たり前のようにね


あの頃この詩の内容をよく理解していたら、たぶん一日に3回も歌わなかったろう。







posted by 「HEART×BEAT」事務局 at 12:52| Comment(0) | 一曲入魂 | このブログの読者になる | 更新情報をチェックする
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